Peintures les plus célèbres du Vatican

Vous prévoyez de visiter le Vatican mais vous ne savez pas quelles œuvres d'art célèbres vous devriez voir? Ne vous inquiétez pas, nous sommes des experts du Vatican, donc nous sommes là pour vous. Voici les peintures les plus célèbres que vous ne devriez absolument pas manquer lors de votre visite au Vatican

Les peintures les plus célèbres du Vatican

L'art est une question d'émotion. C'est un artiste qui libère ses pensées et ses sentiments les plus intimes sur une toile pour que tous puissent en témoigner, mais peu à voir et à comprendre. Si vous regardez un tableau et que vous ne ressentez rien, c’est parce qu’il vous manque son histoire et la raison même pour laquelle nous recommandons les visites guidées.

Si vous entendez l’histoire et que vous n’avez pas de frissons, alors ce n’est pas une bonne œuvre car son but est d’inspirer des émotions. Vous n’avez pas besoin d’avoir une longue expérience artistique pour apprécier l’art. Cela aide certainement, mais ce qui vous sera le plus utile, c'est un guide avec une longue expérience en art qui est habile dans l'art de la narration.

Celui qui suit les traces d'un autre ne pourra jamais le dépasser, car il n'aurait plus de trace à suivre et perdrait son chemin

Michel-Ange

Observations astronomiques

Donato Creti | 1711 | Huile sur toile | Pinacothèque

Donato a donc essentiellement créé une émission spéciale Netflix du 18ème siècle sur le Soleil, la Lune, la Terre, Mars, Vénus, Jupiter, Saturne et une comète. Le seul manquant est Uranus qui ne sera découvert qu’en 1781 (ce n’est pas de votre faute Donato)! Aujourd'hui, il vous suffit de taper google – Planètes – et boom, vous pouvez voir toutes les planètes. À l'époque, évidemment, cela n'était pas possible.

Le comte bolognais Luigi Marsili fit commander cette série de tableaux afin de créer une collection et de leur offrir en cadeau le pape Clément XI. L'idée était de créer un dossier solide pour que l'église comprenne l'importance d'un observatoire astronomique. Son plan a fonctionné puisqu'il a été béni par le pape Clément et un observatoire a été ouvert peu après à Bologne.

Dans la peinture, vous remarquerez divers télescopes et instruments optiques qui étaient utilisés à l'époque pour observer les corps célestes. En arrière-plan, vous verrez également de nombreuses figures de personnes qui observent les corps gigantesques vêtus de vêtements du XVIIIe siècle.

Je pense personnellement que regarder cette peinture vous permet de voyager dans le temps jusqu'au début du 18e siècle et de voir ce que cela aurait été d'être astronome à cette époque. Imaginez l'excitation de regarder dans le ciel nocturne et de voir tous ces corps célestes 250 ans avant l'invention de la télévision. La puissance de leurs instruments est également exposée puisque nous savons qu'ils pouvaient déjà voir les anneaux autour de Saturne! Qui a besoin du cinéma, alors que vous auriez pu simplement inviter une fille dans la journée à lever les yeux vers le ciel!

Adam & Eve dans le jardin d'Eden

Wenzel Peter | 1828 | Huile sur toile | Salle Pinacoteca XVI

Les Autrichiens les plus célèbres de l'histoire auraient été Arnold Schwarzenegger, Adolf Hitler et, oui, Wenzel Peter. Bien que la peinture vous semble au début un peu étrange à avoir dans la collection du Vatican, après un examen plus approfondi, vous verrez que c'est l'une des peintures les plus pieuses de la collection. Wenzel Peter était un peintre animalier ce qui signifie qu'il s'est spécialisé dans la peinture d'animaux de toutes sortes. En raison de son dévouement à un type particulier de peinture, il a pu représenter ces animaux de manière extrêmement réaliste, assis ou debout et les personnages semblent presque avoir été photographiés.

Le chef-d'œuvre représente le jardin d'Eden avec Adam et Eve. Adam et Eve sont tous deux agréablement représentés ici comme deux jeunes gens vivant au paradis. Il n'y a rien de vulgaire ou de trop «réaliste» à leur sujet et tous deux sont couverts naturellement pour ne montrer aucune indécence. Il y a plus de 200 animaux du monde entier représentés dans cette peinture et chacun a été représenté avec une précision parfaite. Puisqu'il s'agit du jardin d'Eden, vous remarquerez que les animaux, quel que soit leur type, vivent tous en harmonie avec les humains, ce qui aurait été au début selon la Genèse.

Grégoire XVI (pontife de 1831 à 1846) aimait tellement ses peintures qu'en 1831, il acheta 20 pièces pour les mettre dans la salle du consistoire de l'appartement d'État papal. Ce que vous remarquerez, c'est qu'après le XVIIe siècle de perspective perdue sur un fond noir et des figures montrant une approche «réaliste» qui pourrait même être grossière, au XVIIIe siècle, les artistes ont recommencé à réintroduire une perspective qui représentait à nouveau de longues distances.

Le couronnement de la Vierge

Raphael | 1502-1503 | Tempera sur bois | Salle Pinacoteca VIII

Quand j'avais 19 ans, je parcourais les bars de Bologne. Au même âge, Raphaël a peint ceci…. Je dois dire que c'est l'un de mes favoris personnels en raison de la beauté simple et élégante que le Maître montre dans les figures de chaque personne représentée.

Ce tableau faisait partie du retable de la chapelle de la famille Oddi à Pérouse. La peinture est décomposée en deux scènes avec la moitié inférieure de la tombe où la vierge Marie reposait avec les apôtres autour d'elle. Saint Thomas tient la ceinture qui a été donnée en cadeau de la Vierge elle-même et à l'intérieur il y a des fleurs où elle aurait été dans la tombe depuis qu'elle est montée au ciel. Les apôtres regardent tous avec étonnement en voyant son image ci-dessus avec Jésus.

La partie supérieure de la peinture est avec la Vierge Marie et Jésus qui la couronne en tant que mère bénie. Il y a des anges qui les entourent et certains jouent même des instruments de musique. Le jeu de couleurs est similaire à la transfiguration où les couleurs plus foncées sont en dessous et à mesure que vos yeux montent naturellement vers le haut, la palette de couleurs devient plus claire. Les visages montrent la beauté idéale de l'homme et s'expriment encore plus dans le visage angélique de la Vierge Marie.

Saint-Jérôme (Da Vinci)

Leonardo Da Vinci | 1482 | Huile sur bois | Salle Pinacoteca IX

Je n’aime pas vraiment les autographes, mais si j’avais rencontré Da Vinci dans la rue, je lui aurais certainement demandé le sien. Ce type était une superstar. Il n’était pas seulement un maître peintre, mais aussi à peu près tout le reste. Je suis allé au musée Da Vinci de sa ville natale (oui, il s’appelle Vinci) et j’ai vu de mes propres yeux ce dont ce génie était capable. Certaines de ses inventions étaient l'avion, le sous-marin et l'équipement de plongée sous-marine pour n'en nommer que quelques-uns. Pour le cloner aujourd'hui, vous auriez à combiner Elon Musk, Bill Gates et Jackson Pollack, et vous pourriez vous en approcher.

Quant à la peinture, les archives officielles du Musée du Vatican la décrivent comme «l'une des peintures les plus énigmatiques du maître et l'histoire derrière l'œuvre d'art est encore plus intrigante». On savait que Da Vinci ne terminait pas beaucoup de ses commandes car son cerveau semblait aller plus vite et penser au-delà de la plupart des simples mortels. Bien que cette œuvre d'art ne soit qu'une esquisse, elle révèle le génie qu'était Da Vinci.

L'esquisse est de saint Jérôme qui, pour son amour de Dieu, a vécu comme un ascète pendant de nombreuses années dans le désert syrien. Il est toujours représenté d'une manière émaciée et cette esquisse n'est pas différente. Il est photographié vieux, chauve et avec le regard d'un homme qui a ressenti de graves souffrances dans sa vie. Il est assis avec le lion à ses pieds (son compagnon après avoir arraché une épine du pied du lion) et tient dans sa main un rocher qu’il aurait traditionnellement utilisé pour se frapper la poitrine comme pénitence. N'est-il pas suffisant de tout abandonner et de vivre dans le désert, mais d'aggraver cela en se frappant la poitrine avec un rocher?

L'esquisse est devenue la propriété d'Angelica Kauffmann, une peintre suisse, et a été perdue au début du XIXe siècle. Il a été découvert par le cardinal Joseph Fesch, oncle de l'empereur Napoléon, coupé en deux et était utilisé comme ferraille domestique. Il est étonnant de penser au nombre d'œuvres d'art inestimables qui peuvent encore être dispersées dans le monde.

Enrico Bruschini – Historien de l'art

Transfiguration

Raphael | 1518-1520 | Tempera sur bois | Salle Pinacoteca VIII

Si Raphael avait été en vie dans les années 80, il aurait probablement été une rockstar. Il aimait la vie élevée dans tous les aspects du mot. Il a fait la fête si fort qu'il s'est épuisé et est mort à l'âge de 37 ans. Les historiens disent que c'était de la syphilis. Rappelez-vous que la pénicilline n’a pas été découverte pendant près de 400 ans!

Le tableau représente 2 histoires de l'Évangile selon Matthieu avec celle de la Transfiguration et la rencontre des Apôtres avec les jeunes obsédés qui seront guéris lorsque Jésus reviendra du mont Thabor. La maîtrise de la peinture se manifeste de nombreuses manières, alors commençons par la couleur. Raphael était célèbre pour son utilisation vivante des couleurs. Surtout maintenant, après le nettoyage du tableau, nous pouvons voir les couleurs comme Raphael et ses contemporains les auraient vues.

Rappelez-vous que cela a été spécialement conçu pour être un retable, donc il serait au-dessus de nos têtes. Nos yeux sont naturellement attirés par les couleurs plus vives et Raphael l'a parfaitement joué en rendant progressivement les couleurs plus lumineuses au fur et à mesure que vous leviez les yeux. Ce faisant, Raphael vous guide sur la façon de regarder cette peinture en utilisant nos propres sens. L'artiste veut que vous regardiez d'abord la scène ci-dessous et que vous vous frayiez ensuite un chemin jusqu'au sommet de la peinture avec l'aboutissement dans le Christ lui-même.

Malheureusement, c’était le dernier tableau de Raphael. Lors de ses funérailles, ses fidèles élèves ont accroché ce tableau au-dessus de son corps pour les visionner en public. L'artiste et biographe Giorgio Vasari décrit les funérailles dans les mots suivants:

En voyant son corps mort et son œuvre si vivante, c'était comme si notre cœur se briserait en deux

Giorgio Vasari – Contemporain de Raphael et de son biographe

L'Annonciation

Raphael | 1502-1504 | Tempera sur bois | Salle Pinacoteca VIII

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi toutes les figures de la peinture de la Renaissance avaient l'air de prendre une sorte de médicament miracle? Même s'ils sont martyrisés avec des flèches à travers leur corps ou dans ce cas, ils sont visités par un ange? Imaginez un ange descendant du ciel et vous rendant visite! J'aurais peur, mais Mary est tellement froide et détendue. Quoi qu'il en soit, la raison en est que les peintres de la Renaissance étaient plus préoccupés par la beauté idéale de la peinture elle-même que par le sujet. Par conséquent, tant que tout avait l'air bien, c'était l'objectif.

L'Ange Gabriel s'approche de la Vierge Marie pour lui faire part de la venue imminente de Jésus-Christ (Annonciation). Mary est assise seule en train de lire un livre et semble s'attendre à ce moment avec une beauté idéale se reflétant sur son visage et même la façon dont elle lève sa main pour accueillir l'Ange. En arrière-plan, vous pouvez voir deux arches qui s'ouvrent sur un ciel clair. L’une des marques de fabrique de Raphaël était d’ajouter une perspective profonde dans ses peintures avec une couleur bleu clair du ciel pour montrer le point le plus éloigné.

Vous remarquerez également l'effet 3D qu'il crée avec les colonnes et même la colombe au loin. Cette peinture ressemble beaucoup à une peinture similaire de son professeur Pérugin. Raphael aurait étudié sous le maître de la première Renaissance et il est arrivé à un point où beaucoup ont dit qu'ils ne pouvaient pas faire la différence entre le maître et l'étudiant.

Vision de la croix

Raphael |

La nuit précédant la bataille décisive contre son ennemi Maxence, Constantin voit dans le ciel nocturne une croix blanche, brûler dans le ciel. Cette prémonition qu'il avait clairement fait savoir que s'il remplaçait l'emblème des aigles, par la croix, il serait victorieux

• Note intéressante: Au premier plan, vous verrez un nain tenant un casque. C'était en fait le bouffon de la cour du pape Léon X!

La victoire du christianisme sur le paganisme (plafond)

Manqué par de nombreuses personnes (levez les yeux!), Ce tableau a été ajouté plus tard par le peintre sicilien Tommaso Laureti en 1585. S'il y a jamais eu une image pour promouvoir l'expression «Une image peint mille mots», c'est bien celle-là. Vous verrez sur un piédestal une croix chrétienne et à ses pieds une statue païenne qui a été brisée en milliers de morceaux.

Libération de Saint-Pierre

Raphael

L'histoire parle du premier pape Saint-Pierre qui est prisonnier à Rome et pendant la soirée un ange vient et brise ses chaînes pour le libérer. Jules II a commandé ce tableau car, avant de venir au pape, il était le cardinal titulaire de Saint-Pierre enchaîné à Rome.

Toute cette fresque est un brillant affichage d'effets de lumière. En regardant de près le tableau, vous remarquerez d'abord l'extrême splendeur de la lumière de l'Ange elle-même dont la lueur reflète l'armure des prisonniers stupéfaits dans la pièce. Comparez cela à la lumière du soleil levant à gauche et à la lumière naturelle provenant de la fenêtre ci-dessous.

Feu dans le Borgo

Raphael

Cette peinture montre une histoire du Liber Pontificalis qui parlait d'un énorme incendie dans le Borgo (la zone autour de l'église Saint-Pierre) en 847. L'histoire raconte que tout le monde était paniqué et que le pape Léon IV (847 à 855) sortit solennellement sur le balcon de son palais et a béni le feu et il a été éteint immédiatement.

• Note intéressante: Lorsque vous regardez les personnages de cette peinture, la première chose qui vous saute aux yeux est l'extrême quantité de muscles que tout le monde possède, y compris les enfants! À ce moment-là, la chapelle Sixtine a été dévoilée et les figures musclées de Michel-Ange sont devenues célèbres, alors les étudiants de Raphaël tentent également cela, mais comme vous le verrez, ils auraient dû étudier un peu plus l'anatomie!

Crucifixion de Saint Pierre

Guido Reni

L’influence du Caravage sur Guido Reni dans ce tableau est indéniable. Ce tableau marque le premier succès de Guido Reni à Rome, l’ayant peint en 1605. Il a été commandé pour le cardinal Pietro Aldobrandini pour S. Paolo alle Tre Fontane. Il a ensuite été envoyé à Paris comme tant d'autres œuvres d'art et ramené à Rome en 1819 par Pie VII où il est resté dans la Pinacothèque depuis.

Guido Reni aurait vu de nombreuses œuvres du Caravage dans d’autres églises de Rome, notamment une peinture du même sujet du Caravage dans l’église Santa Maria del Popolo. La peinture montre Saint Pierre qui est crucifié pour être chrétien sous le règne de Néron en 68 après JC. Saint Pierre, ne se sentant pas digne de mourir de la même manière que Jésus l'a fait, demande à être crucifié à l'envers et c'est ce que vous voyez se passer ici.

La première chose que vous remarquez est le tonus musculaire réel de Saint-Pierre. Vous pouvez voir qu'il n'y a rien d'idéalisé ici et cela aurait pu être une représentation réelle de ce à quoi son corps ressemblait. Ensuite, vous remarquez qu'il n'y a pas de perspective, donc rien ne se passe en arrière-plan, il n'y a que du noir. Cela vous permet de concentrer 100% de votre attention sur la scène qui se déroule. Enfin, vous remarquez les visages des deux hommes qui le crucifient – Il n'y a fondamentalement aucune expression sur leurs visages, donc ni chagrin ni méchanceté, c'est juste.

Martyre de saint Erasme (Nicolas Poussin)

Nicolas Poussin

Cette peinture dramatique est la première de Nicolas Poussin à Rome et a été peinte pour l’autel du transept droit de la basilique Saint-Pierre. Ce thème a été choisi en raison des reliques du saint qui y sont conservées. Comme tant d'autres, le tableau a été emmené à Paris et finalement retourné à Rome en 1820 par Pie VII et mis au repos dans la Pinacothèque où il reste à ce jour.

La peinture représente le martyre de saint Érasme pendant les persécutions de l'empereur Dioclétien en 303 après JC. Le futur saint est allongé les mains derrière le dos, tandis que le bourreau retire ses intestins de son corps et les fait rouler autour d’un cabestan de marin. Au-dessus de lui, un prêtre païen montre du doigt une statue d'Hercule à laquelle Érasme a refusé de prier. Au-dessus de lui se trouvent des anges qui descendent vers lui et lui offrent la paume et la couronne, symboles du martyre.

Outre la nature graphique de la peinture, Poussin a utilisé des couleurs extrêmement vives dans cette peinture, en particulier le blanc, le bleu et le rouge. À ce stade, nous sommes à la hauteur du baroque et aussi du mouvement réaliste lancé par le Caravage. La plupart des gens ne sont pas maintenant que ce tableau a été donné au peintre Pietro da Cortona, mais a ensuite été remis à Poussin qui a même utilisé les croquis préparatoires de da Cortona pour le tableau!

Déposition

Caravage

Il serait difficile de ne pas écrire un livre entier sur ce tableau ou sur l’œuvre du Caravage en général. Son impact et son influence sur les peintres et les peintures du 17ème siècle étaient ahurissants avec sa tendance réaliste. Jusqu'à présent, il existait des modèles fixes sur la façon de peindre les saints et les saints – Le Caravage a brisé ces concepts dans le sol, changeant à jamais le monde de l'art.

Ici, dans l’un des plus grands chefs-d’œuvre du Caravage, nous voyons Jésus non pas déposé dans le tombeau, mais sur la pierre d’onction de Nicodème et de Jean. Près de lui se trouvent la Vierge Marie, Marie-Madeleine et Marie de Cléophas qui lève les bras et les yeux vers le ciel dans la prière. C’est un moment extrêmement pieux où chacun exprime celle de la tristesse. Il n'y a pas de perspective, seulement de la noirceur et vous pouvez voir les muscles saillants des jambes de Nicodème. Il n'y a rien d'idéal exprimé ici si ce n'est l'agonie extrême que vivent toutes les personnes présentes.

La vie du Caravage était tout sauf habituelle. Connu pour se promener dans Rome avec une épée, il faisait soi-disant partie d'un gang local et a même tué un homme en duel. En conséquence, il a été contraint de fuir Rome et a fait de nombreux voyages vers le sud en peignant le long du chemin de Naples, de la Sicile à Malte et retour. Selon la légende, il attendait la grâce du pape Urbain VIII lorsqu'un de ses ennemis l'a finalement rattrapé et l'a tué à Porto Ercole.

École d'Athènes

Facilement l'une des peintures les plus célèbres de Raphaël et avec cette peinture, il s'est imposé comme l'un des peintres de la haute Renaissance les plus célèbres au monde. La peinture, pour nos besoins, est en fait célèbre pour 2 raisons.

La première est qu'elle est l'apogée de la haute peinture de la Renaissance en ce qu'elle est harmonieuse, symétrique et célèbre la beauté idéale sous toutes ses formes. La deuxième raison est que cette peinture est essentiellement un annuaire des artistes les plus célèbres du début du 15ème siècle représentant leurs vrais visages.

La Renaissance était la renaissance de la philosophie classique, de la littérature classique et de la pensée classique en général. Une fois l'empire romain tombé, l'Europe est tombée dans une période sombre de 1000 ans où la civilisation a reculé et l'apprentissage a été abandonné après coup.

Après la chute de Constantinople au milieu du XVe siècle, de nombreux érudits se sont enfuis en Italie et ont été accueillis en Toscane. En conséquence, ils ont apporté avec eux de nombreux textes (et l'apprentissage du grec ancien) et ont réintroduit de nombreux anciens en Italie.

• Note intéressante: Raphael a utilisé les visages de ses amis comme modèles pour certaines des personnes célèbres. Leonardo Da Vinci est Platon pointant un doigt en l'air – Bramante est Euclide, qui se penche sur un tableau noir et Raphael se met dans le tableau à l'extrême droite en nous regardant directement.
• Deuxième note intéressante: Selon la légende, alors qu'il peignait cette pièce, Michel-Ange peignait la chapelle Sixtine. Un jour, Raphael a eu un aperçu de ce que faisait Michel-Ange et a été tellement impressionné qu'il est revenu à l'étage et a cassé un morceau de plâtre du mur et a mis le visage de Michel-Ange en hommage à sa qualité!

Saint Matthieu

Guido Reni

Guido Reni faisait partie du groupe d'artistes de Bologne qui allait faire irruption sur la scène de la peinture italienne au XVIIe siècle et redéfinirait le terme baroque. Ensemble avec les cousins ​​Carracci et Domenichino, ils ont fondé l'Académie appelée «Incamminati» qui était une rébellion contre les peintures maniéristes de l'époque. Créant un mouvement plus classique, ils ont redéfini toute une génération de peinture.

La peinture montre l'apôtre Matthieu alors qu'il fait une pause dans son écriture pour regarder un ange. Fini le temps de la beauté idéale et de la perspective profonde de la haute Renaissance alors que nous regardons ce chef-d'œuvre. L'apôtre a été représenté comme autant de vieillards que nous pouvons voir aujourd'hui dans le monde réel – les rides du front, les cheveux ébouriffés et les veines tendues du cou. L'ange possède des joues roses et un look presque anémique que vous pourriez trouver chez de nombreux garçons aujourd'hui.

La magie de cette peinture est l'action qui se passe elle-même. Aucun d'eux ne parle. L'Ange regarde saint Matthieu avec amour et saint Matthieu lui rend ce regard d'affection avec son propre regard aimant. Si cette scène était sortie de son contexte, on pourrait facilement penser qu'il s'agit simplement d'une peinture d'un grand-père et d'un petit-fils exprimant leur amour l'un pour l'autre. C’est comme s’ils n’avaient pas besoin de se parler mais de se comprendre parfaitement.

Le jugement dernier

Cette fresque a été l'un des derniers ajouts à la chapelle Sixtine (achevée en 1541) et a été peinte par nul autre que Michel-Ange lui-même. Au moment où ce tableau était terminé, Michel-Ange avait passé près de 10 ans de sa vie dans la chapelle Sixtine à peindre le plafond et le mur du fond! Le Maître continue de représenter des personnes avec d'énormes quantités de muscles comme il l'a fait avec le plafond. L'œuvre d'art entière mesure 13 mètres de haut et 12 mètres de large. Il a fallu 5 ans à Michel-Ange pour peindre.

En montant sur le trône de Saint-Pierre, le Pape Paul III (Pontife 1534-1549) dirigeait une église dans une période de grande crise. Le grand sac de Rome (1527) n'avait eu lieu que 7 ans plus tôt et était encore frais dans l'esprit de beaucoup. Il était également confronté à une pression extérieure croissante alors que le protestantisme en était à ses balbutiements. Quelle meilleure façon de combattre les critiques et de prendre le contrôle de l'église qu'une peinture sur notre salut ultime?

L'histoire- Dans le jugement dernier, tous les pécheurs seront envoyés en enfer dans le feu éternel et tous ceux qui croient et se repentent seront autorisés à entrer dans le royaume des cieux. Le monde se termine essentiellement à ce stade pour la majorité d'entre nous. Michel-Ange le décrit parfaitement et ajoute également de nombreux éléments de la littérature classique.

Haut- Dans les lunettes supérieures, vous pouvez avoir des anges portant des instruments utilisés pendant la passion du Christ (la croix, le fouet et la colonne sur lesquels il a été fouetté, et la couronne d'épines. En dessous, vous verrez un Jésus extrêmement musclé sans barbe dans un position puissante présidant toute la scène avec un halo radieux qui éclate derrière lui.Les figures reconnaissables sont Jean-Baptiste, la Vierge Marie, Saint Pierre tenant les clés et divers autres saints tenant l'instrument dans leurs mains avec lequel ils ont été martyrisés.

• Fait intéressant– En dessous de Jésus, vous trouverez saint Barthélemy qui a été écorché vivant. Dans sa main droite, il tient un couteau et dans sa main gauche sa propre peau! De nombreux contemporains ont suggéré que Michel-Ange ait fait un autoportrait dans la peau!

Le milieu– Ici, vous pouvez voir un groupe d'anges sonnant des trompettes et tenant 2 livres avec le plus grand ayant les noms de ces damnés et descendant en enfer avec le plus petit ayant les noms de ceux qui sont rachetés et qui montent au paradis. Ceux du côté gauche qui sont rachetés sont ramenés de leurs tombes et il y a même des combats avec des démons qui tentent de s'accrocher aux corps ascendants, mais les anges les repoussent aux Enfers.

Le fond– Ici, Michel-Ange fait allusion à la mythologie grecque avec le démon (Charon) sur un bateau qui amène toutes les âmes damnées aux enfers. À l'extrême droite, vous verrez le diable lui-même et toutes les âmes damnées et perdues derrière lui en enfer.

• Fait intéressant– Lorsque le tableau a été dévoilé, beaucoup ont été choqués par la quantité de nudité dans le tableau. Biagio da Cesena, qui était cardinal, a déclaré que cela convenait mieux pour une taverne que la sainte chapelle du pape. On dit que Michel-Ange a ensuite changé le visage du diable en celui du cardinal et a enroulé un serpent autour de son corps et le mordant dans la région de l'aine.

Le plafond

La décision de Julius de repeindre le plafond était probablement due à des dommages structurels causés lors des fouilles de la tour Borgia et de la nouvelle basilique Saint-Pierre. À l’époque, Michel-Ange travaillait sur la tombe du pape et semblait très content de cela.

L'artiste – Michel-Ange

Comme le raconte l'histoire, Bramante, qui était en colère contre Michel-Ange pour une critique précédente, a suggéré au Pape que Michel-Ange devrait peindre le plafond même s'il était un sculpteur et non un peintre. Julius a accepté et à peu près contre la volonté de Michel-Ange, il a signé le contrat pour peindre le plafond. Le dessin original devait être les douze apôtres, mais après que Michel-Ange se soit opposé, Julius a remis le dessin entre les mains du Maître et le reste appartient à l’histoire.

Michel-Ange a eu de nombreux problèmes / difficultés dans ce travail. Citons-en quelques-uns afin que vous ayez une idée:

• C'était un sculpteur, pas un peintre
• Il devait peindre à la fresque mais n'avait jamais vraiment peint dans ce médium, donc fondamentalement sa première tentative de peinture à fresque devient la peinture la plus célèbre au monde.
• Il a dû d'abord construire son propre échafaudage pour atteindre même le plafond de 60 pieds de haut
• Puisqu'il était perfectionniste, il a essentiellement peint le tout par lui-même
• Pas de chauffage centralisé, alors il se plaignait d'une chaleur étouffante en été et d'un froid engourdissant en hiver
• Développer une maladie oculaire pendant la peinture, qui ne disparaît qu'une fois qu'il a terminé le plafond des années plus tard

Le plafond est divisé en panneaux centraux, sibylles et prophètes, ancêtres du Christ, 4 étages de coin.

52. Panneaux centraux:

Séparation de la lumière et des ténèbres: Bien que nous prenions cela pour acquis, imaginez à quel point il était épique de séparer ces deux entités? Avant, il y avait juste un gros fouillis de rien et puis BOOM- Nous avons à la fois la lumière et l'obscurité. Ici, Dieu est montré dans un mouvement de torsion séparant la lumière des ténèbres.

Création du soleil, de la lune et des planètes– Michel-Ange combine ici les 3e et 4e jours de la Genèse avec lui créant la végétation dans le panneau de gauche et avec un geste imposant et un visage sérieux, crée sur le côté droit la lune et le soleil.

Séparation de la terre de la mer-Volant haut dans le ciel, Dieu sépare les eaux de la terre elle-même. Comme la peinture ci-dessus pour séparer la lumière de l'obscurité, c'est un autre moment épique dans le temps. Imaginez le monde avant que cet événement ne se produise – cela aurait été un chaos complet!

Création de l'homme– Probablement le tableau le plus célèbre et le plus reproduit de la planète. Dieu insuffle la vie à Adam qui est dans une position allongée et incarne la perfection telle que décrite dans l'ancien testament d'un homme étant une imitation de Dieu lui-même.

Une énigme magique ici est que les mains entre les deux se touchent presque, mais pas. De nombreux historiens de l'art soulignent que cette peinture a des connotations allégoriques significatives entre Michel-Ange et son père. Leur relation avait toujours été très difficile du fait que son père n'avait jamais vraiment approuvé sa profession. En ne permettant pas à leurs mains de se toucher, il montre le mécontentement de son père à son égard.

Création d'Ève à partir du corps d'Adam– Dans le livre de la Genèse, vous avez ce qui suit sur la création d'Eve:

«Ainsi, le Seigneur Dieu fit tomber un profond sommeil sur l'homme, et il s'endormit; puis il prit une de ses côtes et referma sa place avec de la chair. Et la côte que le Seigneur Dieu avait prise à l'homme qu'il avait transformé en femme et l'avait amenée à l'homme.

Ici, vous voyez Eve jaillir de ce qui ressemble à un Adam endormi alors que Dieu lui fait signe.

Bannissement du jardin d'Eden Michel-Ange montre deux scènes ici avec la première scène sur le côté gauche interprétant le péché originel. Dans cette scène, ils sont jeunes, en bonne santé et beaux. Ce sont toujours des êtres parfaits sans aucun sentiment de honte ou de faute. Le serpent est dans l'arbre et suggère à Eve de manger le fruit défendu. Eve dit à Adam de le manger et, ce faisant, ils ont désobéi à Dieu.

À ce stade, la scène de droite montre ce qui se passe ensuite. Tout d'abord, ils prennent conscience de leur nudité et du fait qu'ils sont des humains. Ils sont donc bannis du jardin d'Eden et le contraste entre leurs figures et celles de gauche est stupéfiant. Ils ont l'horreur dans leurs yeux et l'expression sur leur visage explique exactement ce que l'on ressentirait qui est banni du paradis. Michel-Ange aurait été fortement influencé dans ce tableau par l'artiste Masaccio dont le maître aurait vu le tableau dans la chapelle Brancacci à Florence.

Le sacrifice de Noé-Dans la Bible il dit- Noé a construit un autel au Seigneur; il prit un de chaque espèce d'animal et d'oiseau rituellement propres et les brûla entiers en sacrifice sur l'autel. ²¹ L'odeur du sacrifice a plu au Seigneur

Dans la chronologie biblique, cela se produit en fait après le déluge, mais il est probable que Michel-Ange voulait plus d'espace pour le déluge, car cette peinture devait être une scène épique et là, cela a été mis avant. L'histoire est celle d'un sacrifice à Dieu après avoir survécu au déluge comme mentionné ci-dessus.

L'inondation- Dans la Bible, il lit-Or, le déluge était sur la terre pendant quarante jours. Les eaux ont augmenté et soulevé l'arche, et elle s'est élevée au-dessus de la terre.

Dieu a décidé de créer un déluge pendant 40 jours et nuits pour détruire tout le mal du monde et a ordonné à Noé de construire une arche de bois de gopher et de saisir une paire de tous les animaux. Michel-Ange présente cet événement épique non seulement de l'arche, mais aussi de diverses tentatives vaines d'autres personnes pour survivre, soit en gravissant une colline, soit en grimpant sur un bateau. À la fin, ils périront tous sauf l’arche de Noé.

L'ivresse de Noé Dans la Bible, il dit-Quand il a bu un peu de son vin, il s'est ivre et s'est allongé à découvert à l'intérieur de sa tente. Ham, le père de Canaan, a vu son père nu et a dit à ses deux frères à l'extérieur.

Dans ce dernier panneau, Noé a planté la vigne et a créé du vin dont il s'est saoulé et s'est endormi. Son fils se moquait de lui, tandis que ses deux autres fils couvraient sa nudité sans le regarder.

Note intéressante: Pour le meilleur point de vue de tout le plafond, après avoir pénétré dans la chapelle, allez tout le chemin du côté opposé à celui où vous êtes entré, et là vous profiterez du meilleur point de vue. You will also notice that the 3 paintings of Noah were actually the first 3 Michelangelo worked on, so he had made them too crowded and the figures too small Compare these three with the other 6 and you will see a huge difference.

Sibyls and Prophets

The Prophets represented here are taken from the old testament and foretold the coming of Jesus. The Sibyls were ancient, Pagan priestesses, who due to their gift of foretelling the future, extended the wait for Redemption from the chosen people to all mankind. Starting from the entrance of the Sistine Chapel when you enter:

• Jonah
• Libyan Sibyl
• Prophet Daniel
• Cumaean Sibyl
• Prophet Isaiah
• Delphic Sibyl
• Prophet Zechariah
• Prophet Joel
• Erythrean Sibyl
• Prophet Ezekiel
• Persian Sibyl
• Prophet Jeremiah

53. Four Corner Stories

These four stories speak about episodes that saved the people of Israel. They are a testament to the constant vigil of God over his people and the promise of eventual redemption. They are placed here in the corners as meeting points for the stories on the ceiling and those of the walls.

• Judith and Holofernes- According to the bible, the city of Bethulia was being besieged by the Babylonian king Nabucodonosor. To save her city, Judith came to his tent in the night and when he was overcome with wine, she cut his head off. She then put his head on a plate and showed it to his soldiers and in doing so saved her city. Michelangelo breaks this up into 3 scenes of the sleeping guards, the head on a plate, and the beheaded King.
• Punishment of Haman– Haman was the right-hand man of King Xerxes. He had declared that all the jews be banished, since his main enemy, Mordecai was Jewish. However, Mordecai’s cousin Esther was the mistress of the King and in the end, switched things around so that the King killed Haman instead. You can see in the foreground, Haman being crucified with Esther and Mordecai watching with the King who is the background ordering the execution.
• Brazen Serpent- During the escape from Egypt, Mose’s followers started to complain about him and God, and therefore God sent snakes to kill many of them. Once the people repented, God told Moses to make an image of a snake and all who looked at it would be cured. On the right-hand side, there is the dramatic scene of many people being destroyed by these snakes and in the background, the bronze serpent, made by Moses who is protecting people.
• David and Goliath– One of the more famous stories in the bible. Goliath, who was a giant, is struck down by a much smaller in stature, but much bigger heart David. Michelangelo is showing us the moment when David is about to strike the giant and behead him. David is straddling him with his sword high in the air and the terrified Goliath accepting his fate.

The Side Panels– Above the painted tapestries, but below the windows are masterpieces by early Renaissance artists who were painting the generation before Michelangelo and Raphael. They were commissioned by Sixtus IV and were meant to explain on one side the life of Moses and on the other the life of Jesus which shows the continuity from the old testament to the new.

54. The Life Of Moses

There are currently six paintings about the life of Moses on the side walls ( when you walk into the chapel on your right)

The journey of Moses in Egypt ( Pietro Perugino)- As in most of these side panels, there are multiple scenes in this painting. Moses spends 40 years in the land of Midian after killing an Egyptian. After these 40 long years, God gives Moses a sign to come back to Egypt to save his people from the excesses and tyranny of the Pharaoh.

The next scene shows a story from the book of Exodus where God has threatened Moses. At that point, Mose’s wife, Zipporah rushes to sacrifice an animal in order to save Moses from death.

On the lower right-hand side of the painting Mose’s baby son, Eliezer, is in the process of getting circumcised by his mother Zipporah who is a Midianite. In the center of the painting, Mose’s is getting stopped by an Angel which was usually a sign of God.

Events in the life of Moses ( Sandro Botticelli)- This fresco shows various episodes about Mose’s youth from the book of Exodus. There are 3 scenes and the story goes from right to left. The first scene is when Mose’s kills a man for insulting an Israelite and then flees into the desert in Midian.

The next scene is when he fights off a group of shepherds who were not letting the daughters of Jethro water their flock at the well. One of those daughters was Zipporah who would eventually become Mose’s wife. You will notice in this scene the beautiful woman with blond hair who was a staple of Botticelli’s paintings.

The final scene starts on the top left side of the painting where Mose hears the voice of God and removes his sandals. He approaches the burning bush where the voice of God tells him to return to Egpyt and announce to everyone that he will be freeing the Jews from Slavery.

Passage of the Red Sea ( Biagio d’Antonio/ Cosimo Rosselli) It is not certain if the painter for this was Cosimo Rosselli or his assistant Biagio d’Antonio so we will give them both credit. This epic story in the bible, which is also one of the most famous in the old testament is showing how Moses escapes with all his followers and they come to the Red Sea.

The Egyptian warriors are close on their heels and it looks like a dead end, but Mose’s prays to God who parts the waters of the Red Sea and Moses and his followers proceed to walk through the Sea on dry land. The Pharaoh’s army proceeds as well, but after the last of Mose’s followers make their way through, the waters come crashing down and destroy the entire army.

Handing over the tablets of the Law ( Cosimo Rosselli)– This painting continues stories from the book of Exodus with three more from the life of Moses. In the first one, in the back corner of the painting, Moses is on the top of a mountain. He is kneeling down in front of God who has appeared before him and is giving him the tablets of the law.

The next scene is when Mose has returned from the mountain with the tablets of the law and finds that many of his followers have reverted back to worshipping pagan idols and here in particular that of the Golden Calf. Moses is so upset that he breaks the tablets on the ground and punishes those who were idolizing false gods. He afterward receives new tablets of the law.

One interesting scene in this painting encompasses the entire idea of the Renaissance. Remember that part of the point of Renaissance painting was to show ideal beauty. In the foreground, with all the chaos of Moses happening, the painter decided to put a couple who are holding hands and look quite happy, impervious to all that is going on around them. Some say that the man, who is wearing a red hat, is actually a self-portrait of Cosimo Rosselli ( Rosso means red in Italian).

Punishment of Koram, Dathan and Amiram ( Sandro Botticelli)- The wanderings through the desert lasted 40 years. At one point Korah, Dathan and Abiram revolt against Moses and his leadership and are punished by God with the earth swallowing them up. 250 followers of the three mentioned above are also swallowed up by the earth.

On the right-hand side, you see Joshua who is protecting Moses from getting stoned by the crowd. In the center, Aaron has his leadership being questioned and is being attacked. On the left-hand side of the painting, Moses calls on God to punish the rebels.

.In the middle of the painting is a gigantic arch, which is a real interpretation of the Arch of Constantine in Rome. Constantine was seen as the first Christian Emperor and was therefore revered by all later Christians. He legalized the religion as well so you can imagine the joy of a people who had been suppressed for the last 300 years to finally have religious freedom!

Legacy and Death of Moses ( Luca Signorelli)- This painting talks about the final episodes in Mose’s life. There is also controversy about if Signorelli really painted this or not. Giorgio Vasari who was the leading biographer of the day was convinced that it was him, while many art historians today believe that it was actually Bartolomeo della Gatta.

On the right-hand side, there is Moses who is reading to his followers. At his feet is the ark of the covenant where the tablets of the law are stored. In the middle, Moses is conferring power onto Joshua who will take over God’s flock. In the background, Moses is speaking with an Angel who is showing him the Promised land which he will never get to see because he dies beforehand. In the back left corner, his followers are lamenting him as he has died at this point.

55. The Life Of Jesus

There are currently six paintings about the life of Jesus on the side walls ( when you walk into the chapel on your left)

Baptism of Christ ( Pietro Perugino)– The first painting shows the real beginning of Jesus’ journey to become the messiah. On the right-hand side, you see John the Baptist speaking with a crowd while in the back left, you can see Jesus preaching to a different crowd.

The main attention is addressed to the center of the painting. Here, John the Baptist is starting to pour water over the head of a pius Jesus. There are crowds on both sides of the painting who are watching the event and interestingly enough they are all dressed in Renaissance style clothes of the time. Above you see God who is watching over the entire proceeding.

In the background there are other scantily clad men, who it would seem are waiting to be baptized after Jesus. Perugino’s master of perspective is also on display here as the painting reveals a castle in the background and then goes even farther back to show distant mountains and what looks like a lake. Raphael, who was Perugino’s student, was very fond of using this kind of background.

Temptations of Christ ( Sandro Botticelli)– The devil tempted Jesus many times to try and break him from his attempt to become the Messiah. In the upper left corner, Satan is disguised as a hermit and asks Jesus for a miracle to test him. In the center background, Satan tries to get Jesus to Jump off the temple. The temple resembles the construction of the Santo Spririto church by the Vatican which Sixtus IV was building. The last scene is on the right-hand side where Jesus throws Satan off of a cliff.

In the center of the painting, there is a sacrificial rite happening. This interpretation is usually referring to the Leper who, after he was healed by Jesus, made a sacrifice in his honor. Some art historians see this scene as allegorical with the older priest being Moses and the young man being Jesus. The sacrifice is that of Jesus himself making the ultimate sacrifice for mankind.

The calling of the first Apostles ( Domenico Ghirlandaio)- The famous biographer Giorgio Vasari wrote,” Vasari wrote: “Domenico represented Christ calling Peter and Andrew from their nets, and the Resurrection of Christ, the greater part of which is now destroyed, for it was above the door”. The destruction of the wall ensured that the Resurrection was completely gone after.

The entire painting is focused on Jesus anointing St. Paul and St. Peter who are both kneeling in front of him. On the right-hand side of the painting is a group of people who were actually the leading Florentine families of the time who had residences in Rome. What’s interesting is in the center is Giovanni Tornabuoni who represented the Medici family. He was actually made the Pope’s treasurer and later became a Patron to Ghirlandaio himself.

The Sermon on the Mount ( Cosimo Rosselli)- This painting runs parallel with the opposite wall where Moses is receiving the tablets of the Law. The center focus of the painting is Jesus who is on the mount, preaching to his disciples. What is happening is that allegorically, Jesus is becoming the new Moses, passing on the teachings of God and continuing Mose’s work.

In the foreground, you can see a Jesus who is on top of the mount and preaching to his followers. This is the main subject of this painting and all of the other attributes of the painting are centering around this part of the painting. On the right-hand side, Jesus is healing the leper with many people looking on. Remember that since this is a Renaissance painting, the artist is more concerned with the ideal beauty of the event and not the event itself per se.

Handing over the Keys ( Pietro Perugino) I am going to go out on a limb here and say that this is the 3rd most famous painting in the chapel after the ceiling and Last Judgement. Perugino is able to create extreme depth in the painting by his expert use of perspective here. In doing so, he created 3 layers of composition.

In the foreground and the most important scene is Christ standing in front of a kneeling St. Peter. On both sides of them there are the usual group of people as in the other paintings looking on at the event with almost disinterest but in line with the standards of the time. Peter is receiving the 2 keys ( Gold key is that of heaven and Silver is that on earth) from Jesus.

Behind them, there is a massive piazza, which is not based on any real place, but more of an ” ideal piazza”. From a distance, it actually looks like people are ice skating, but they are getting ready to stone Jesus. In the background, there are two arches which are replicas of the Arch of Constantine, which again plays an important role in Christianity since he was accredited as being the first Christian Emperor.  Finally, in the background, you can see hills off in the great distance, exemplifying Perugino’s use of Perspective.

The Last Supper ( Cosimo Rosselli) Many people think that there is only 1 last supper painting and that is by Da Vinci. The fact is that the Last Supper was quite a popular theme for painting and hundreds of them exist. Each last supper has its own particular characteristics and this one by Cosimo Rosselli is not different.

In the painting, Jesus has just shared the news that he is going to die after passing around the bread and some wine. The faces of the Apostles don’t have many expressions of surprise on them, because as it has been mentioned, in the Renaissance, the focus was on ideal beauty which is more important than the actual event happening. The only Apostle on the other side of the table is Judas, who is already holding a sack with the silver coins inside for his betrayal to tell the Jewish elders who Jesus was.

Above everyone are three windows, which instead of showing some background, alluding to the three events from the bible which will happen next.  From the left there is first the prayer on the mount of olives, then the betrayal, and finally the crucifixion. A side note- remember that Cosimo Rosselli’s last name derives from the word ” Red”- there is a man on the right-hand corner who is looking right at us, with a red hat on!

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